Algunos videos, que nos serán muy útiles

Ejercicios

Para esta semana debemos prácticar los siguientes ejercicios:

1. Practicar los degradados: 1 por lapiz (hb, b, 2b 4b)


2. Dibujar una taza blanca, desde diferentes ángulos


3. Dibujar 6 esferas una por página

Diseño de bodegones

He aquí, algunas fotos de los bodegones que vamos a desarrollar con la técnica del claro oscuro

El Bodegón

Según la Wikepedia, un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente objetos cotidianos que pueden ser naturales (animales de caza, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio artificial determinado. Esta rama de la pintura se sirve de un exquisito arreglo, encanto colorístico y de una iluminación fina para producir un efecto de serenidad, bienestar y armonía.

Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón dan al artista más libertad de acción en la colocación de elementos de diseño dentro de una composición que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban. Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, y usan objetos encontrados, fotografía, gráficas generadas por ordenador, así como sonido y vídeo.
A continuación se muestra algunos bodegones famosos:

Sinestesia

La sinestesia, del griego συν, 'junto', y αισθησία, 'sensación', es, en retórica, estilística y en neurología, la mezcla de varios sentidos diferentes. La Sinestesia es la condición de una persona, en la cuál los sentidos se mezclan y entrelazan, pudiendo por ejemplo, «ver colores al escuchar un sonido» (la forma más común de la sinestesia) o «experimentar sabores al tocar un objeto».

Se han descrito casos de personas que ven los sonidos de colores, otras a las que ciertas formas le producen olores o sabores particulares, etc. No obstante, la sinestesia se puede producir dentro de una misma modalidad sensorial. Por ejemplo, las letras, los números o las palabras, pueden producir la experiencia subjetiva de colores particulares. De hecho, este último tipo es el más abundante.

Algunos personajes conocidos eran sinestésicos. Así, por ejemplo, Baudelaire, Alexander Scriabin (Moscú, 1872–1915), Rimsky-Korsakov o Nabokov experimentaban cierta mezcla de sensaciones de los distintos sentidos. Matisse en sus pinturas hace referencias constantes al tema de la música, aunque sin abandonar por completo el contexto figurativo. Creaba imágenes que evocaban sonidos o que contenían instrumentos muscales como el piano y el violín. En la pintura “ Danza” hay cinco figuras desnudas de muchachos cantando que están distribuidas en el espacio como notas musicales, sugiriendo una melodía arcaíca de pastores.

Para Kandinsky y Kupka el color y las formas no objetivas en la pintura eran análogas a la música. Kandinsky fue uno de los artistas que se interesó más profundamente por la relación entre la música y la pintura, Escribió analogías entre los timbres característicos de los instrumentos musicales y los colores que asociaba a ellos. Por ejemplo el naranja era para él como el toque de una campana de iglesia. Por otra parte consideraba que el timbre de distintos instrumentos tenía un carácter lineal ya que el violín, la flauta y el píccolo producen una línea delgada, mientras que la línea de la viola y el clarinete es un poco mas gruesa. Para Kandinsky la línea opera en la música de la misma forma temporal y espacial que en la pintura. Y dijo: “la presión de la mano sobre un arco se corresponde exactamente a la presión de la mano sobre el pincel.”



En 1912 los pintores Macdonald Wright y Rusell concibieron un movimiento artístico llamado Sincromismo que se basaba en la idea de que el color tenía equivalentes sonoros y que si pintaban en escalas de color similares a las musicales, sus pinturas evocarían sensaciones musicales. Sus composiciones eran abstracciones que se originaban de un eje central del que surgían complejas armonías de color. Rusell imaginaba una máquina que sincronizaría luz de colores con sonidos.

El Cubismo, Futurismo, Orfismo, Vorticismo y Sincromismo, estaban dirigidos principalmente a abrir el arte visual a la dimensión temporal. Para esto utilizaban conceptos como el de ritmo, dinámicas, velocidad y simultaneidad, así como términos musicales de cadencia, disonancia y polifonía, mostrando una relación muy cercana entre las tendencias de la temporalización en el arte y los fenómenos musicales.


Las sinestesias más frecuentes aunan percepciones visuales y auditivas, de modo que los sonidos, las palabras o la música evocan simultáneamente la visión de colores. A la exploración de estos sujetos lo más habitual es que al enseñarles números y letras evoquen un color determinado, o determinados sonidos se acompañen también de visión de colores. Otras sinestesias más raras incluyen sensaciones táctiles al escuchar sonidos, percepción de sabores al ver determinados objetos, o percepción de olores en relación con el tacto. Una de sus características principales es que son involuntarias.

para algunos, la sinestesia y la expresión artística son parte de la naturaleza humana y tiene mucho que ver con su evolución como especie. El dibujo o la pintura tienen la facilidad de sacar las experiencias sinestésicas desde las profundidades del ser, sin importarle el nivel consciente o subconsciente de aquéllas; llevando tales experiencias a la conciencia del artista y a la materia del mundo a través de abstracciones y analogías simbólicas creadas en el acto de pintar[http://www.tdx.cat/TDX-0406105-173506].

Se recomienda visitar el siguiente sitio: http://www.artesonoro.net/artesonoroglobal/Sinestesia.html

El claroscuro y el valor

EL claroscuro es una técnica de dibujo que busca la representación de los objetos a partir del desarrollo de las zonas de luz y de sombra como un contraste simultaneo de tonos. El modelado de las formas a partir del estudio de la luz es un ejercicio que requiere un profundo estudio de valoración tonal y del funcionamiento de las graduaciones de los diferentes grises. El trabajo del claroscuro no solo permite un modelado de las formas, es importante también como afecta el cambio de luz en la composición del cuadro.
El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz.

El claroscuro propone un análisis exhaustivo del modelo con respecto a la iluminación que este reciba; por ello la luz se debe tratar de forma radical sobre la superficie de los diferentes objetos que compongan el modelo.

Por ejemplo, un primer término puede recibir el foco de luz lateralmente, mientras que el segundo termino puede recibir tan solo parte de la luz que rebote del primero, requiriendo en su elaboración una valoración mucho mas agrisada y menos contrastada que la resolución del primer plano.

El claroscuro se establece por medio de la valoración de los tonos. La valoración permite establecer en el papel a través de la monocromía, las zonas de volumen de los cuerpos a partir de la luz. El trabajo de valoración consiste en situar las diferentes gamas de grises de manera que se modelen las formas a partir de su representación plana, creando un efecto tridimensional.

Los diferentes medios dibujanticos permiten valoraciones de grises; dependiendo de su calidad de degradado unas veces se podrá difuminar un gris, otras se tendrá que recurrir a un proceso de tramado. Nada más propio de la técnica del dibujo tradicional que un elaborado trabajo de valoración.

La valoración no se puede entender sin tener en cuenta que un solo lápiz puede generar una extensa gama de grises, pero a la vez cada dureza de grafito tiene unas posibilidades de grises determinadas, así como un negro máximo y un gris mínimo.

Las durezas de los diferentes lápices tienen un límite; por ello siempre que se trabaje un dibujo valorativo a base de lápiz grafito será conveniente disponer de varios lápices para, de esta forma, poder plasmar en el papel una mayor riqueza de tonos y no limitarse solo a los que ofrezcan una dureza determinada.

La valoración se comprende partir de establecer sobre a modelo dibujado una gama de grises lo suficientemente completa como para que la forma adquiera volumen, Los diferentes tonos parten siempre del tono del papel, a menos que se utilicen papeles de color y realces en Creta.

Los tonos más oscuros marcan la profundidad máxima de los volúmenes y las luces reflejan la zona en la que el torneado va indicando la proximidad o la dirección del foco de luz. En la valoración se deben tener en cuenta los juegos de contrastes, es decir, los contrastes simultáneos; un mismo tono de gris varía según la intensidad del tono más oscuro al lado del cual se situé.

La composición

Componer significa, ordenar en el papel los elementos de los que consta el dibujo de forma que el conjunto quede equlibrado y expresivo.

Tenemos dos procedimientos para realizar una composición, la formal y la informal. La composición formal consiste en aplicar las simetrías para la distribución de las líneas sobre el espacio del campo gráfico.

La composición informal consiste en distribuir las líneas en el espacio del campo gráfico, procurando equilibrarlas al tomar en cuenta su peso visual Es relativamente fácil, al dibujar las líneas, controlar el balance y "sentir" como un lado pesa más o menos que el otro y añadir o hacer más ancha alguna línea para encontrar el momento de equilibrio en la composición. La línea cuenta con muchos recursos para la composición diferencia de anchos, cambios de dirección, forma curva o recta, modalidades, y en particular, la posición es una posibilidad expresiva con diversas aplicaciones.

La línea horizontal transmite tranquilidad o pasividad, está "acostada" y cada uno do sus puntos descansa y apoya en el plano. La línea vertical parece en tensión para no caerse a un lado u otro y sujeta a la ley de gravedad; se para en un punto y se eleva. La línea oblicua es la que transmite mayor dinamismo y atrae la atención, si se inclina hacia la derecha nos parece que asciende y hacia la izquierda, que baja.

El volumen

El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del cual llegamos por medio de la luz y de las sombras, y que nos permite tener una percepción tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que deseamos representar en un dibujo o en una pintura. El volumen es, junto con la forma, uno de los aspectos que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las intensidades de sus sombras.

Podemos establecer dos clases de sombras: las propias y las proyectadas.
Sombras propias son las que se origina el objeto a sí mismo, y las proyectadas son las que produce en las superficies vecinas. Tambien hay que tener en cuenta los reflejos producidos por la luz que proyectan las superficies u objetos vecinos, ya que aclaran la sombra propia.

Entre la luz y la sombra, hay una zona de transición o de medias tintas, y que puede variar en extensión dependiendo de la intensidad de la luz.

Para la realización del volumen y de las luces se puede partir incluso de un dibujo realizado con anterioridad, para de este modo apreciar las diferencias de los cambios de tonalidad en los realces.

Las luces se insumen a partir de la situación de las sombras, las cuales actuaran por contraste con respecto a las zonas más claras.


EJERCICIO
Para adquirir destreza y presición a la hora de representar las sombras, proponemos practicar con el lápiz muchos grises distintos. Es muy útil la realización de un degradado como éste. Debe realizarse de forma progresiva, teniendo en cuenta los contínuos contrastes de tono-

la forma

Cualquier tema a dibujar se puede descomponer en formas geométricas sencillas. Ya que con eso se construye el esquema interno de los objetos. Todos los objetos de la naturaleza se pueden representar a partir de formas geométricas simples o elementales como la circunferencia, el triángulo o cualquier paralelepípedo. El uso de las figuras básicas permite dibujar de manera rápida y exacta. La tarea es más sencilla al descomponer figuras complejas en formas geométricas simples.

El dibujo a base de figuras geométricas requiere de la adquisición de dos habilidades. La primera es saber proporcionar a las figuras básicas un sentido de dimensión y es decir, darles apariencia tridimensional.

Al aprender a observar un objeto complejo como resultado de la combinación de figuras básicas, se estará en el camino correcto para dibujar con exactitud y destreza. Una vez que se realizó la forma, es sumamente sencillo agregar el detalle. La mayoría de la gente no advierte que los dibujos evolucionan. Se piensa, en general, que un artista sólo toma asiento y crea una obra determinada. De hecho, las obras de un artista evolucionan desde una primera etapa hasta otras de mayor grado de complejidad hasta terminarlas.

Las figuras básicas son estructuras del dibujo. Su propósito es similar al que ejerce el esqueleto para sostener al cuerpo en la postura correcta. De la misma manera que el andamiaje en la construcción de un rascacielos, la ausencia de figuras básicas en el dibujo provocaría que las ilustraciones carecieran de forma, de perspectiva, que parecieran distorsionadas y erróneas.
Es fundamental el uso del esqueleto de figuras básicas para un dibujo a mano libre y preciso.

El encaje

Algunas veces comenzamos un dibujo por un lado con el fin de terminarlo en el otro extremo, pero no nos fijamos en el conjunto. Como resultado obtenemos un dibujo desbalanceado (el detalle sobre el cual queríamos llamar la atención nos queda en un lado diferente al de nuestro objetivo). Esto sucede precisamente porque no observamos el modelo en todo su conjunto.


La forma de cualquier objeto, sea plano o corpóreo, puede considerarse encerrada dentro de una figura geométrica regular o irregular de acorde con la forma del mismo, o bien combinaciones de varias formas simples. Casi todas las formas pueden representarse de éste modo: deduciendo su estructura geométrica. Esta figura geométrica que envuelve el objeto podríamos decir que actúa como una caja, de donde viene el nombre "encajar".

La proporción

Una de las habilidades más importantes para ver, pensar, aprender y resolver problemas es la facultad de percibir correctamente las relaciones, entre una parte y otra, y entre las partes y el todo. Estas relaciones, en dibujo, se llaman proporción. La percepción de las proporciones relativas, y sobre todo de las relaciones espaciales, es una función especial del hemisferio derecho del cerebro humano. Los individuos cuyo trabajo requiere la estimación de relaciones de tamaño -carpinteros, dentistas, sastres, cirujanos- desarrollan una gran facilidad para percibir la proporción. Los pensadores creativos, en todos los campos, encuentran provechoso el poder ver a la vez los árboles y el bosque.

La proporción en el dibujo tiene que ver con la representación de las dimensiones de un objeto en los trazos hecho sobre el papel, es decir, que lo vemos grande lo representamos más pequeño manteniendo las diferencias en las medidas que en existen en el modelo.



En nuestro dibujo, deberemos mantener las misma relación de medidas para que estos elementos resulten proporcionados. El problema comienza cuando queremos reducir o ampliar las proporciones a la medida del papel en que se va a trabajar.

Por medio de la proporción establecemos una relación de medidas entre las partes y el todo del modelo que vamos a dibujar. La belleza y atractivo de un dibujo depende, en gran medida de sus proporciones. Existen determinadas proporciones, que por su equilibrio, satisfacen de manera natural la percepción. En lo que se refiere a la representación de la figura humana, desde la antigüedad, se ha venido utilizando el canon griego como proporción ideal: la altura total del cuerpo humano de pie equivale a la suma de siete veces la altura de su cabeza. La proporción áurea o sección dorada, es otro método que puede utilizarse para la realización de dibujos y que consiste básicamente en la división de una línea recta de tal manera que la parte más pequeña sea a la parte más grande como la parte más grande es al total. Es interesante conocer estas convenciones para poder aplicarlas si lo deseamos, pero debemos ser conscientes que la desproporción puede ser utilizada deliberadamente para expresar sensaciones, sentimientos e ideas

Asignaciones para el sabado 12 de junio del 2010

Hola compañeros

No se les olvide que hay que traer:
2 lbs. de Arcilla
1 delantal, o ropa apta para enlodarla
1 trapo viejo

Ejercicios básicos

Al igual que los deportistas, que tienen que realizar muchas prácticas para mejorar su nivel de juego o músicos que repiten y repiten una pieza musical hasta que sale lo más perfecto posible, para aprender a dibujar debemos realizar bastantes ejercicios. A continuación se presentan una serie de figuras, que deberíamos de repetir, repetir, repetir, repetir, repetir, repetir,... De tal manera que aflojemos y acostumbremos nuestra mano a realizar cualquier línea que quisiéramos trazar.









Estos son algunos ejemplos, pero no los únicos, La idéa es que practiquemos los diferentes trazos que posteriormene utilizaremos al dibujar.

Los materiales del dibujo

Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los instrumentos que se pueden usar son muchos, como también la superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz como el instrumento, pero actualmente se usa la computadora utilizando el teclado, un ratón de ordenador, o con un lapiz óptico auxiliándose de una tabla o tableta digitalizadora.

Los lapices usados en el dibujo al natural son blandos y se distinguen por su número: hb, 2b, 4b, 6b.

Para practicar, cualquie papel es bueno, pero para la realizacìón de dibujos con un buen acabado, se recomienda papel tipo canson. Los papeles pueden variar en textura, tonalidad, acidez y resistencia ante la humedad. Los papeles lisos y satinados son buenos para hacer trazos finos, pero un papel más áspero y poroso contiene mejor el medio líquido, resultando más adecuado para dibujar texturas y definir contrastes.

Para el trabajo con pluma y tinta, el papel convencional es apto para dibujos prácticos, aunque los papeles satinados o con más gramaje son más idóneos, al ser mucho mejor su superficie y espesor para trabajar con tinta y grafito.

Hay otros materiales auxiliares de gran utilidad, como: borrador del tipo migajon o cera para borrar, un estilete o navaja para afilar los lapices, un soporte o caballete, tablero de fibran, etc.

Introducción al dibujo al natural

Según la Wikipedia el dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura. Dibujo tambien significa la forma de una persona como expresar sus sentimientos pensamiento o ideas.

El dibujo es el lenguaje universal porque, sin mediar palabras, podemos transmitir ideas que todos entienden de modo gráfico. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura, a los que llamamos símbolos. Otros ejemplos son las señalizaciones: señales de peligro, de advertencia o informativas, como las que prohíben fumar, las que diferencian géneros, o indican salidas de emergencia. En ellas se utiliza el lenguaje gráfico como un modo directo y eficiente de transmitir un mensaje.

No se debe confundir el concepto de dibujar con el de pintar. El dibujo es el arte de representar gráficamente objetos sobre una superficie plana. Es la base de toda creación plástica y es un medio convencional para expresar la forma de un objeto mediante líneas o trazos. En la pintura, la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas.

Las técnicas de "pintar" y "dibujar" pueden ser confundidas, porque las herramientas son las mismas para ambas tareas, pero las operaciones son distintas, "pintar" incorpora la aplicación de pigmentos, generalmente aplicados mediante un pincel, que son esparcidos sobre un lienzo; mientras que el dibujo es la delineación en una superficie que generalmente es el papel.

El termino dibujar también sugiere un proceso distinto al de pintura. El dibujo es generalmente exploratorio, con énfasis principal en la observación, solución de problemas y composición. En contraste, la pintura tradicional es generalmente la ejecución o acabamiento del dibujo mediante la inserción de pigmentos.

Documentos interesantes

Aquí les dejo algunos interesantes acerca de los temas que se han estudiado.

• Diccionario de arte: http://www.portaldearte.cl/indices/terminos.htm


• Dibujo al natural: http://www.portaldearte.cl/indices/terminos.htm


• Tutorial de dibujo a lápiz http://www.laescuelavirtual.com/cursodedibujoalapiz/dibujoalapiztemario.htm


• El encaje: http://jazbuitrago.blog.com.es/2009/07/29/encaje-6608664/

Hola Amigos

Hemos construido este blog, como un medio de interacción fuera del aula de clases en bellas artes.

La idea es mantenerlo actualizado para informarnos acerca de las actividades que se realizan cada semana.